ARA tuvo el placer de coordinar y gestionar el programa de invitados de la segunda edición del Obertura Carabanchel que se celebró del 24 al 26 de noviembre 2023. El festival no solo se posiciona como un evento más del ecosistema madrileño, sino como una convergencia esencial de diálogos entre artistas, coleccionistas y galeristas. Este espacio, donde las fronteras del arte contemporáneo se exploran y expanden, emerge con fuerza en esta nueva edición.

Con más de 150 estudios, espacios independientes y galerías, Carabanchel se establece como el corazón palpitante del arte contemporáneo español. Galería Nueva, en este enclave, abre sus puertas para albergar Obertura, acogiendo una selección de 12 galerías nacionales e internacionales, presentando una diversidad de obras que reflejan la heterogeneidad y la riqueza del arte contemporáneo. Estas galerías incluyen nombres como Arias Rego Contemporary, ArtQuake Gallery, ASPA Contemporary, entre otros.

La nueva sede de Galería Nueva, un espacio físico en la confluencia de las calles Miguel Mayor y Alejandro Sánchez, se convierte en un símbolo de la evolución y el crecimiento del arte contemporáneo en Madrid. Esta ubicación, cuidadosamente seleccionada, busca alcanzar a un público mayor, creando un ecosistema donde el arte se exhibe, pero también se vive y se respira intensamente.

Cada obra, instalación y escultura en Obertura Carabanchel es un manifiesto, una declaración de intenciones sobre la innovación artística, el compromiso de los artistas y galerías con el arte contemporáneo y el impacto cultural y social en la comunidad que acoge el Festival. Este evento va más allá de una celebración del arte; es una afirmación del poder transformador del arte contemporáneo en la sociedad, siendo testigos de la afluencia de muchos de los residentes de la zona, ante el espectáculo que supuso tres días de arte y música. Obertura Carabanchel se erige como un espejo que refleja el estado actual del arte contemporáneo, un laboratorio de tendencias futuras, un lugar donde el arte dialoga, cuestiona y propone.

El programa paralelo del Festival, que incluyó visitas a estudios de artistas locales, fue una inmersión profunda en el alma creativa de Carabanchel. Los asistentes tuvieron la oportunidad única de adentrarse en el proceso creativo y la intimidad del arte en su forma más pura. Estos recorridos, que abrieron puertas a espacios como los de Irene Beneitez y Martina Rodríguez Morán, así como Iñaki Domingo y Ey! Estudio, ofrecieron una oportunidad para ver arte, así como interactuar con los creadores, comprendiendo sus procesos, inspiraciones y desafíos.

Complementadas con actividades musicales y artísticas, estas visitas crearon una atmósfera en la que el arte se vivió en todas sus dimensiones. Así, Obertura Carabanchel se transformó en un tejido conectivo entre la comunidad artística y el público, rompiendo barreras y fomentando un diálogo más profundo y personal con el arte.

Obertura Carabanchel 2023 celebró el arte contemporáneo; unió a los artistas, sus espacios y su comunidad. Este evento nos invitó a experimentar el arte en su forma más auténtica y humana, marcando un hito en la historia del arte contemporáneo madrileño y abriendo ventanas a futuras exploraciones en este vibrante campo.

Fotos: Coni Rutherford Texto: Pedro Edgar Rizo

Las fundadoras de Popurri, Lucía Gil y Eugenia Entrecanales, nos traen una nueva forma de concebir los planes culturales en Madrid. Mediante actividades juveniles y divertidas abren el panorama artístico-cultural a los más jóvenes generando de forma proactiva un interés en estos por participar de sus eventos y del arte.

En esta ocasión, ARA ha tenido el placer de colaborar junto a ellas organizando una visita cultural a las afueras de Madrid. “Escapada artística a Segovia” nos ha llevado hasta Torrecaballeros, dónde hemos asistido al estudio del artista Carlos León; galardonado con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. Con más de cincuenta años de trayectoria profesional a sus espaldas, León se posiciona como uno de los artistas más destacados del panorama nacional de arte contemporáneo, dónde instituciones como el Reina Sofía cuenta con obra suya. León nos ha abierto su mundo desde su estudio dónde hemos podido conocer al artista en su versión más auténtica, así como sus últimos proyectos.

Tras la incursión por los mundos del artista, nos dirigimos a uno de los lugares de obligada visita para los segovianos, El Rancho de la Aldeagüela, donde pudimos disfrutar de la auténtica gastronomía segoviana. 

Por último, nos trasladamos al centro de la ciudad para asistir a una de las mejores colecciones españolas, La Colección MER. Hace más de cuarenta años Elena Rueda y Marcos Martín se iniciaron en el mundo del coleccionismo fomentados, inconscientemente, por el pintor Gerardo Rueda, gracias al cual comenzaron a adentrarse en el mundo del arte a través de galerías y museos, dando lugar tres años más tarde al inicio de su colección. Con más de setecientas obras, la colección MER, cuenta con grandes artistas como Miquel Barceló,  Pablo Palazuelo, Luis Gordillo, Carlos León, del ámbito nacional y Marlene Dumas, Francesco Clemente, Cindy Sherman o Thomas Ruff, del ámbito internacional. Un recorrido que hemos realizado de primera mano por el hijo de ambos, Rafael. 

ARA se adentra en ESTAMPA con nuestro programa creado para jóvenes coleccionistas: Ágora 

Un año más se da cita, en el pabellón 4 de IFEMA, la Feria de Arte Contemporáneo que marca el otoño madrileño, ESTAMPA. Con 31 ediciones a sus espaldas, esta feria recoge un total de cien galerías de todas las categorías, pero apostando siempre por galeristas y artistas jóvenes.  

En su programa, ESTAMPA busca promover un coleccionismo nacional e internacional en el que se incluye una adquisición de premios otorgados por diferentes instituciones. En cuanto a este respecto, desde ARA, creemos que son las nuevas generaciones y sus incipientes coleccionistas los que liderarán el coleccionismo del futuro. Fue de este modo como nació nuestro proyecto Ágora.

Ágora busca crear un lugar donde las nuevas generaciones de coleccionistas, artistas, galeristas, comisarios y amantes del arte puedan crear sinergias. Del mismo modo, busca promover las tendencias actuales ya que mediante el arte se intercambian ideas, sensaciones y sentimientos; se plasma el reflejo de nuestra sociedad. 

El programa, diseñado para este nuevo perfil, ha consistido en una serie de actividades tanto dentro como fuera de la feria, diseñadas de manera específica para garantizar una experiencia única. 

De este modo se han realizado visitas guiadas amenizadas por diferentes galerías enfocadas a fomentar el interés en el arte de estos jóvenes, como fue la realizada por los chicos de Sistema Studio, Jorge Fernández y Álvaro González, titulada “De la mano de un coleccionista”. Por otro lado, como en un ágora, espacio de intercambio y debate, se presentó una mesa redonda moderada por las co-fundadoras de la agencia Federica Iozzia y Ludovica Cadario junto a los jóvenes Antonio Yera- director subasta Maza Art, Gabriela Vera- Art Advisor y coleccionista fundadora de El Castillete y Diego Rodriguez Villa)- Coleccionista incipiente.

Por último, realizamos una visita fuera del recinto ferial a las sedes de la Colección Aldebarán guiadas por el propio coleccionista que concluyó con un cocktail en un maravilloso ático madrileño. 

Chiqui Castro promotor del arte Ecuatoriano en el resto del mundo.

ARA: La Fundación ProArte participó en 2023 por primera vez en Hybrid Art Fair, Madrid. ¿Qué papel desempeñó la Fundación ProArte en la feria de arte contemporáneo? ¿Podrías compartir algunos detalles sobre su participación y contribución en ese evento?

Chiqui: Auspiciamos la participación de 6 artistas ecuatorianos en la feria: Pamela Suasti, Polii Lunar, Jimmy Lara, Chay Velasco, Elio Wong y Erick Franco, donde pudieron personalmente mostrar su trabajo. Viajamos además con Mafer Landín quien, como fotógrafa profesional y creadora de contenidos, maneja las redes de la Fundación. Eso permitió transmitir nuestras experiencias en la escena artística de Ecuador digamos que en tiempo real, dándole visualización no solo a sus muestras en Hybrid sino a su día a día como personas: visitas a los Museos del Prado, Reina Sofía, Soroya, Thyssen-Bornemisza, y su paso social por Madrid.

ARA: ¿Cómo surgió la idea de fundar la Fundación ProArte? ¿Qué motivó su creación y cuál es su objetivo principal?

Chiqui: Fui Presidente del Guayaquil Country Club y me correspondió durante casi 8 años diseñar, financiar y construir su nueva sede en Samborondón. Durante el proceso empecé a coleccionar arte para el Club y promoví la creación de un espacio expositivo como parte de su responsabilidad social. Eso me adentró en el escenario artístico y empecé también con mi propia colección. Me enamoré perdidamente del arte y le he dedicado muchísimas horas de sueño, más que nada para aprender. La Fundación nace entonces sobre esa plataforma del coleccionismo, que nos acerca tanto a los artistas, galeristas, curadores y gestores de arte en general. Nuestra meta es dar visualización y oportunidades a los artistas para que puedan comercializar su obra, empezando por adquirir y mostrar en casa. Siempre digo que nuestro enfoque es empresarial. 

ARA: ¿Podrias explicar brevemente en qué consiste la Fundación ProArte y cuáles son sus principales actividades y proyectos?

Chiqui: La Fundación realiza su trabajo ahora mismo en tres frentes: 1) Gestionamos localmente el espacio expositivo del Guayaquil Country Club, donde ya llevamos alrededor de 15 exposiciones entre individuales y colectivas; 2) Promovemos la participación de artistas en ferias y exposiciones fuera del país, donde hemos batido el récord de exponer con 12 artistas en Budapest, Miami, Madrid y Milán, teniendo como meta fichar a esos artistas con galerías fuera de Ecuador; y, 3) Gestionamos un espacio expositivo digital en ARTSY, donde ya hemos vendido obras globalmente. Todo esto en un año y poco. Pero es importante aclarar que si la Fundación asume cierto rol de galería, lo hace para promover y obtener fondos de autogestión, pero no es una galería propiamente dicha. 
Actualmente estamos preparando nuestra segunda participación en Hybrid 2024, que es nuestra feria preferida. Tenemos entre ceja y ceja desarrollar una residencia artística en Ecuador y porqué no una feria iberoamericana.ARA:¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar en España en términos de promoción y desarrollo del arte? ¿Qué oportunidades y desafíos ha encontrado la Fundación ProArte en el panorama artístico español?

Chiqui: Debo empezar a responder esta pregunta agradeciendo al Embajador de Ecuador Andrés Vallejo y al Primer Secretario Francisco Chiriboga, ambos fanáticos del arte, no solo por el apoyo institucional, sino por haber realizado con las obras que llevamos a Hybrid posteriores exposiciones en el Centro Cultural Ecuatoriano, y por haber hecho posible la participación de Pamela Suasti y Polii Lunar en la Feria Iberoamericana en Alcalá de Henares. Por lo demás, nuestro trabajo en España ha sido extremadamente beneficioso para el desarrollo de la Fundación, que no es otra cosa que el éxito de nuestros artistas. Hemos colocado obras en Colección Chambao y Colección Aldebarán. Tres de los artistas que llevamos a Hybrid han fichado ya con Espacio Líquido, La Gran y Galería Llamazares, lo que provoca en nosotros un gran grito de “misión cumplida”. Los contactos que hemos generado contigo, Aida, Ana, Fede y Ludovica en Madrid nos abrieron también las puertas de Milán. Mi relación con Victorino Rosón e Ignacio Ortiz han enriquecido mi educación y colección no solo en España sino en otras ferias a las que hemos asistido juntos. Como director de la Fundación y en lo personal como coleccionista he generado y seguiré generando relaciones con otras galerías, gestores y artistas de la escena española, pero más que nada lazos profundos de amistad, que es lo que más me mueve, divierte y satisface.

Entrevista de Julia Franc Miñana

Desarrollo de audiencias

Art Run Agency abre su otoño 2021 de colaboraciones bajo el signo de la internacionalización, generando un puente Italia y España.
 

Madrid, Noviembre, 2021 – Art Run Agency para Galería Aural ha organizado un encuentro entre el artista español Fernando Sinaga y un pequeño grupo de coleccionistas. El artista presentó el catálogo de su última exposición en el MAO, Museo de Arte Oriental de Turín, Il Libro delle Sorti e dei Mutamenti (El Libro de las Suertes y los Cambios), coordinada y organizada por la misma Galería Aural. 

Con la cortesía del joven coleccionista Victorino Roson Diez-Feijoo, la oficina de la Colección Aldebarán se transformó en una Little Italy, donde al primer sorbo de prosecco, acompañados con la pastelería del chef Massimo Zoia, los invitados se vieron trasladados directamente a Piamonte, donde precisamente el 29 de octubre ha inaugurado la exposición.

Fue un enorme placer escuchar Fernando Sinaga, artista de un conocimiento extraordinario, sobre un tema presente en todas las culturas de todos los tiempos y latitudes: la intención de comprender e imaginar la combinatoria casual del destino. Un futuro que, sin embargo, sigue siendo inescrutable y cada vez se vuelve menos inteligible. 

En Il Libro delle Sorti e dei Mutamenti, donde aparecen cuestiones ya presentes en exposiciones anteriores de Sinaga como On Prediction (2003) y en obras como Oscillum (2009-2010), el artista ofrece nuevas ideas para la reflexión sobre su trabajo desde un presente marcado por la incertidumbre: nos encontramos en un escenario de interrogantes sin respuesta, en el fluir de una continua transformación, en equilibrio entre esperanza y desorientación.

La obra de Sinaga nos devuelve a un pasado enigmático e incomprensible, a las antiguas prohibiciones inquisitoriales del siglo XVI, cuando los textos adivinatorios y los juegos de azar eran perseguidos, puesto que solamente Dios era capaz de conocer el futuro. Desde ahí, la instalación también nos invita a una reflexión sobre nuestro presente: a pesar de estadísticas sofisticadas, pronósticos y cálculos de probabilidad actuales, no podemos decir con certeza hacia dónde nos dirigimos o cuál será nuestro porvenir.

Art Run Agency lanza una seríe de entrevistas a agentes claves del sector, que innovan, que arman iniciativas rompedoras para el sector y que son de inspiración para nosotras.

Empezamos con la entrevista a entrevista Pedro Gallego de Lerma y Yaiza González, de La Gran, galería de arte situada en Carabanchel, Madrid.
 

Pedro Gallego de Lerma, director de La Gran y Yaiza González, coordinadora de proyectos

Art Run Agency entrevista Pedro Gallego de Lerma y Yaiza González, de La Gran
 

1. Hola Pedro, me gustaría empezar preguntándote algo sobre ti. Sé que tu formación es como arquitecto. ¿De qué manera eso influencia tu trabajo como galerista?

Pedro: Sí, ejercí como arquitecto en mi propio estudio durante varios años y luego trabajé en el MUSAC, también como arquitecto. Esa experiencia, junto a mi relación cercana por motivos personales con el mundo del arte contemporáneo desde mediados de los 90, es crucial a la hora de enfrentarme con los proyectos expositivos. Me interesa trabajar con el espacio, cuidar mucho cada exposición desde ese punto de vista y planteármelas como un todo. Tratar de pensar que no acaban el día de su clausura sino que, como ocurre con los edificios, no puedes desvincularte de ellas porque son un eslabón en la larga cadena que es la carrera de cada artista. Y por supuesto en la vida de la galería.

2. En 2015 fundaste tu primera galería, La Gran, ¿De dónde surgió el nombre?

Pedro: En realidad la galería fundada en Valladolid en 2015 es una cierta evolución de la editora de objetos de artista que fundamos Marina Núñez y yo en 2010. Decidimos llamarla La Gran; y cuando en 2014 quebró y a partir de sus ruinas y del inmenso aprendizaje que me supuso, decidí fundar una galería de arte, el nombre estaba claro. Primero porque no me apetecía ponerle mi propio nombre: Galería Pedro Gallego de Lerma me parecía pretencioso y siempre he aspirado a compartir el proyecto con alguien; y segundo porque La Gran es sonoro y un poco paradójico para una galería que quiere huir de lo ampuloso.

Yaiza: Pero resulta que ahora bastante gente cree que La Gran (o Lagran) es tu apellido…

Obra de Laura López Balza Carrera, artista representada por La Gran 

3. ¿Bajo qué criterio seleccionáis vuestros y vuestras artistas? ¿A qué tipo de público se dirige La Gran?

Pedro: Desde otoño de 2019 estamos en Carabanchel, pero no ha habido un cambio de linea ni de artistas tras el traslado. Solo hemos hecho algunos fichajes nuevos y actualmente representamos y apoyamos la obra y la trayectoria de quince artistas (once de de los cuales son mujeres) interesados por la interacción de los fenómenos estéticos con sus contextos sociales o políticos: Marina Núñez, Enrique Marty, Ignacio Pérez-Jofre, Laura Salguero, Luis Pérez Calvo, Verónica Vicente, Laura López Balza, Elisa Terroba, Eva Díez, Josep Tornero, Mariajosé Gallardo, Moreno&Grau, Ana Teresa Barboza, Cristina Ramirez y María Acuyo. 

Con ellos y otros artistas como Paula Anta, Ella Littwitz, Rosalía Banet, Raúl Hevia o Jesús Zurita, hemos realizado  ya más de una veintena de exposiciones y asistimos a ferias como Estampa, ArteSantander, Pinta Miami, Art Marbella o JUSTMAD, pero ya no podemos incluir más artistas porque son más de los que podemos realmente atender de forma adecuada. 

Yaiza: Aunque sí realizamos proyectos con artistas que no están representados por la galería con el objetivo de crear nuevos diálogos con los que sí lo están, por nuestros intereses en sus trabajos y por la coherencia conceptual con el discurso del proyecto en cuestión. Un ejemplo de ello, fue la exposición “Arrancarse los ojos” donde contamos con Javier Rodríguez Pino y Elian Stolarsky además de Marina Núñez, Cristina Ramírez o Josep Tornero, que sí trabajan con nosotros. Ese proyecto, del que particularmente estamos orgullosos, es un ejemplo del tipo de artista cuya obra sabemos defender bien, a menudo desde lo crudo, lo carnal y lo perturbador: partiendo del concepto del terror como base para acotar uno de nuestros ámbitos principales de reflexión nos situamos en un espacio de resistencia crítica frente a la asepsia, lo delicado, lo meramente agradable al ojo, lo poco comprometido con los retos actuales o lo políticamente correcto.

Pedro: Respecto a nuestros visitantes, les pedimos un esfuerzo de apertura visual y mental a la hora de enfrentarse a las obras que proponemos. Queremos que se cuestionen conceptos universalmente aceptados como lo bello o que creen nuevos imaginarios desde otros posicionamientos. Las imágenes creadas por nuestros artistas a menudo quieren remover al espectador, agitarle, impactar en ellos para que tomen distancia de lo meramente formal o superficial, de lo dulcificado o afable. Nuestro deseo es ampliar su mente hacia nuevas formas de pensamiento, más relacionadas con la profundidad del concepto que trabajan en sus proyectos, como puede ser la hibridación con el entorno, la agencia histórica de las imágenes o la inquietante extrañeza de lo siniestro, por poner algunos ejemplos, que por los intereses matéricos o plásticos exclusivamente.

Yaiza: Nos encantan las personas que se enganchan al coleccionismo poco a poco. En muchas ocasiones nuestros compradores son personas que tienen que dejar de comprar unos zapatos, un bolso o sencillamente hacer un esfuerzo para comprar una obra. Nosotros queremos favorecer estos esfuerzos, y a través de proyectos o sistemas como poder pagar a plazos, hacer el arte mas accesible. Que pequeños coleccionistas, haciendo un esfuerzo económico, puedan adquirir e identificarse con las ideas que trabajan nuestros artistas es más gratificante que cualquier otra venta. 

Exposición de Ignacio Perez-Jofre, artista representado por La Gran

4. Si consideramos España, Madrid puede definirse como el centro del arte contemporáneo. La Gran surgió en Valladolid y ahora apuesta por Carabanchel, me da la impresión que tengas amor por no estar donde todo el mundo desea estar, en el centro. ¿Es cierto? Hay una razón específica por esto o han sido circunstancias ajenas?

Pedro: Una de las obsesiones que marca el inicio de La Gran como editora de objetos y después de la galería, primero en Valladolid y en la actualidad en Carabanchel (y no en el centro), es que me gustan particularmente los retos. Y junto a este, las dos sedes que ha tenido la galería también comparten que han sido espacios domésticos (el primero porque lo era y el segundo porque con su diseño se ha “domesticado” al incluir un apartamento en su interior) y con una idea muy clara de crear y plantear una cercanía directa con cada visitante. Hemos desarrollado un espacio que huye de lo aséptico. Tanto en Valladolid como en Carabanchel estamos físicamente situados en la entrada del espacio, recibiendo al público, y esto es un posicionamiento. No estamos escondidos tras una pared o en un despacho alejados del visitante; nos interesa recibirle y explicarle todas las exposiciones. Creemos en esta labor pedagógica como una cuestión vital en la creación de sensibilidad. 

Yaiza: Y respecto a Carabanchel, es un terreno casi virgen para las galerías. Con Sabrina Amrani primero y después con nosotros, con Corner o con Benveniste, se produce una descentralización del foco en Madrid. Nos movemos hacia el sur, cruzamos el río para buscar nuevos espacios y un nuevo modelo de galerismo que se abra más a otro tejido social. Nos interesa Carabanchel porque actualmente es el organismo de mayor producción cultural de toda la capital, con más de 300 estudios de artistas en la zona. Queremos tener un contacto directo con toda la escena del barrio, acercar nuestras propuestas artísticas a los vecinos, compartirlas con todos los artistas y poder crear sinergias con ellos a través de los recorridos que planteamos los días de puertas abiertas. Esta aproximación y descentralización de los modelos canónicos y tradicionales nos permite jugar creando nuevas visitas entre galerías, estudios de artistas, talleres de producción u otros espacios  de los llamados independientes. Modelos más flexibles generadores de nuevos visitantes. Personas que jamás se habían planteado comprar una obra de arte lo hacen al conocer todo el entramado real del barrio. Así, incrementamos la creación del pequeño y mediano coleccionista. 

Pedro: Pero contestando de manera más rotunda a tu pregunta: sí, no me gusta estar donde se me espera, sino donde nadie piensa que es esperable estar y por eso Carabanchel me sedujo. Y también porque tuve claro, y lo sigo teniendo, que tiene más futuro que pasado.

Obra de Cristina Ramírez Sailors, artista representada por La Gran

5. El sector del arte en España, parece parado en dinámicas tradicionales respecto a otros lugares en Europa ¿Creéis que abrir espacio para generar sinergias y colaboraciones entre agentes del sector y más allá, podría ser la clave para dinamizar y ampliar iniciativas enriquecedoras para el mundo del arte?

Pedro: Creemos que conformar redes es fundamental para crecer y nutrirnos de forma simultánea en el arte contemporáneo. Nuestra primera decisión de abrir en Carabanchel fue precisamente por fomentar una actuación de red. Desde la temporada 2019-2020 tenemos una colaboración con Espacio Líquido, galería que nación en Gijón en 2001. Desarrollamos varios proyectos en común y participamos en ferias bajo el nombre Espacio Líquido + La Gran en una alianza que busca visibilizar mejor nuestras propuestas, las de los artistas con los que trabajamos y las de otros agentes afines a nuestros intereses. Con el objetivo de evolucionar hacia un concepto más ambicioso, flexible y amplio que el que ambas galerías podemos aportar por separado. Y en Carabanchel hemos realizado colaboraciones con otros espacios, como “Carabanchel de Par en Par” con Benveniste Contemporary, Corner Gallery & Studio y talleres o estudios como Delirio, Carol Solar y Alfredo Monge, Eduardo Barco, El Grifo, Javier Erre y Erick Miraval, María Acuyo, Berta López, Aurora Duque, Lo Súper o Nave 6. 

Espacio Líquido + La Gran 

Yaiza: Es un nuevo tipo de recorrido que enriquece la vinculación entre los dos sectores, artistas y galeristas, y el propio visitante. También hemos participado en los recorridos de la reciente feria Obertura junto a Corner Gallery & Studio, Paloma de la Cruz o Ey Studio, entre otros. Nada nos gustaría más que esto siguiese multiplicándose y consigamos convivir con más artistas, galerías y agentes del sector en el mismo edificio.

Obra de Marina Nuñez, artista representada por La Gran

6. ¿Qué estrategias adoptasteis para hacer frente a las dificultades surgidas a raíz de la pandemia? Aparte de los efectos negativos para el sector, ¿hay algo que crees podemos salvar o algo que hemos aprendido en los últimos dos años?

Pedro: Durante la pandemia creamos un proyecto virtual, “Shop-F!”, una colección en constante crecimiento de obras y ediciones de arte exclusivamente realizadas por mujeres artistas y con precios por debajo de 800 euros. Aprovechamos la facilidad de acceso que da internet para romper las barreras que –reconozcámoslo– el sistema actual del arte aún pone, tanto a la difusión y comercialización del trabajo de las mujeres artistas, como al acercamiento hacia quienes tradicionalmente han sido excluidos de él. Todas las obras a la venta en nuestro proyecto están acompañadas por un texto accesible que, sin caer en banalizaciones, contextualiza el trabajo y contribuye a hacerlo más tangible y cercano; y el hecho de publicar los precios también redundará en una transparencia que creemos facilitará esa aproximación.  Y para derribar otra barrera vamos a pedir a las artistas de mayor proyección –y por tanto mayor precio– con las que contemos, que desarrollen ediciones específicas que podremos lanzar a precios mucho más accesibles. 

Nuestro compromiso continúa desde 2015, ya como galería que en la actualidad representa el trabajo de un total de 11 mujeres artistas. Nuestro interés por las líneas de investigación de sus trabajos participa con total coherencia con la línea discursiva y formal de la galería. Y siguiendo estos pasos, junto a nuestra preocupación por la desigualdad y discriminación que aún sufren las creadoras en el mercado actual, creemos necesario movilizar e incentivar nuevas propuestas con perspectiva de género. Nuestra apuesta por visibilizar el trabajo de las artistas empezó con la propia creación en 2011 de La Gran como editora de objetos realizados por artistas. En ese período, la mayoría de producciones son de mujeres. Ese compromiso continuó con proyectos como MUJER.NODO (www.lagran.eu/mujernodo) que ahora nos va a servir de referente y que durante 2013 y 2014 desarrolló una red que generaba un contenido discursivo que partía de las mujeres artistas de manera igualitaria, les daba voz y suponía un nuevo referente que queríamos que permaneciera en el imaginario de todos. A pesar de que ya no tiene web propia, MUJER.NODO, que contó con Diana Larrea, Yolanda Domínguez, Sandra Paula Fernández, Tamara Arroyo, Rosana Antolí o Rosalía Banet, entre otras, es uno de los espacios de nuestra web más consultados seis años después de su clausura por no poder financiarlo.

Yaiza: Durante la pandemia se prometieron muchos cambios, respecto a nuestras relaciones afectivas, nuestra relación con el medio, con los animales y con el medio tecnológico, no obstante, las transformaciones siempre son lentas y lo que sí hemos sacado en claro es que lo virtual no sustituye lo real. Teniendo en cuenta que una de las principales funciones de la galería que defendemos es el acercamiento y la creación de sensibilidad, como no podría ser de otra manera, necesitamos del mundo sensible para poder desarrollarlo. No podemos quedarnos en este espacio de lo digital, de la frialdad del distanciamiento físico, que muchos confundieron con un distanciamiento social. 

7. ¿Qué objetivos tenéis para La Gran y sus artistas para el futuro?

Yaiza y Pedro: La Gran es una galería pequeña que aspira a seguir siendo pequeña. Ambos queremos seguir haciendo un poco de todo en ella, no perder el control del día a día. 

Nuestro objetivo principal es ir poco a poco estando a la altura de los artistas que han confiado en nosotros para representarles y no defraudar esa confianza. Para que tanto ellos como nosotros podamos vivir (que no sobrevivir) de lo que tanto nos apasiona hacer.

Junto a eso, obviamente nos interesa –para nuestros artistas y para nosotros– fomentar nuestra proyección, nacional e internacionalmente. Y ser respetados por las instituciones y por los medios. Y también, claro, que los artistas y su galería nos podamos convertir, de alguna manera, en referentes para otros artistas o proyectos galerísticos más jóvenes. Como para nosotros son referentes algunas galerías, muchas de nuestra generación, de las que no paramos de aprender, e incluso de copiar ideas.

Y solo se nos ocurre una forma de hacerlo: trabajando, escuchando y aprendiendo.

Entrevista con Elvira Rilova

Art Run Agency lanza una serie de entrevistas a agentes claves del sector, que innovan, que arman iniciativas rompedoras para el sector y que son de inspiración para nosotras.

Nuestra serie continua con la entrevista a Elvira Rilova directora de Librarte, Feria de Libro de artista de Castilla y León. 

Art Run Agency entrevista Elvira Rilova directora de Librarte

1. Hola Elvira, por el VI año consecutivo hemos podido asistir a Librarte, Feria de Libro de artista de Castilla y León. Pero empezamos desde el comienzo. ¿Cómo te surgió la idea de montar una feria de libros de artista en la ciudad de Burgos?

Elvira: En contraposición a la programación cultural excesiva de Madrid, (hay momentos claves del año como la Semana del Arte o Apertura donde se vive casi una locura colectiva), estoy convencida de que también desde la periferia pueden surgir proyectos interesantes y que a la larga se conviertan en referenciales.  Soy burgalesa, y aunque resido desde hace muchos años en la capital hacía tiempo que me rondaba por la cabeza la idea de crear una feria de arte en mi ciudad, con artistas del panorama local, nacional e incluso internacional y siempre en clave contemporánea. Por ello, en 2015 decidí aliarme con el Museo del Libro Fadrique de Basilea, un espacio privado que acogió con entusiasmo las dos primeras ediciones de Librarte. La temática del museo nos dio la clave para decantarnos por el formato de libro de artista, una disciplina que ya contaba con ferias propias como Ars Libris en Barcelona, Arteliburu en Donosti o la desaparecida Más que Libros de Madrid. En la segunda edición, el proyecto llamó la atención de la Fundación Castilla y León y la feria tomó un carácter regional, pasando a denominarse Feria del Libro de artista de Castilla y León.  Desde entonces, hemos logrado sumar diferentes apoyos institucionales locales y regionales que nos han permitido seguir creciendo cada año y enriquecer la feria con diferentes exposiciones, actividades. etc…así como independizarnos del Museo del Libro y cambiar nuestra sede a un espacio monumental, el magnífico claustro del Monasterio de San Juan, que permite a los expositores mostrar, no solo libro de artista sino gráfica, obra en papel, ilustración, fotografía etc…y que facilita la creación de exposiciones paralelas y otras actividades como talleres o charlas.

2. La programación de librarte no ha parado tampoco durante la pandemia. ¿En qué medida influyó la emergencia sanitaria en el evento? A nivel de organización, demanda de expositores, y previsión de público. 

Elvira: el 2020 fue un año complicado para nuestro sector y para la feria significó sobre todo, muchas incertidumbres a nivel de organización ya que en plena tercera ola vivíamos inmersos en restricciones de movilidad entre provincias, limitaciones de aforo y toques de hora, lo cual no facilita precisamente la preparación del evento. Para incentivar la participación decidimos proporcionar a los expositores un ayuda para transporte y dietas; a pesar de las dificultades, recibimos más de cincuenta solicitudes para participar en la feria, un número que sigue la tónica de los últimos años. Por otro lado, la recepción del público fue extraordinaria, yo diría que incluso  mejor que otras ediciones, incluida la última. El año pasado vivíamos sin duda una situación excepcional donde había muchas ganas de consumir arte, de volver a las exposiciones y la ciudadanía de Burgos se volcó con Librarte.

3. A pesar de todo, miramos el vaso medio lleno. Se suele decir que se puede sacar algo positivo de un momento negativo. Con esta edición de Librarte, ¿crees que lo has conseguido? En medio de una situación hecha de cambios y compromisos inevitables, ¿lograstes introducir mejoras -quizá inesperadas- en comparación con los años anteriores? 

Elvira: Hemos conseguido fundamentalmente seguir con el proyecto un año más y mantener la ilusión para afrontar nuevas ediciones. Para ello ha sido muy importante que las instituciones crean en la Feria y sus posibilidades para poner a Burgos y a Castilla y León en el mapa del arte contemporáneo actual. Nuestro compromiso con quienes nos apoyan es seguir creciendo, por lo que cada año tratamos de ir un pasito más adelante y proponer exposiciones más ambiciosas, o nuevas actividades. En esta última edición hemos introducido una mesa redonda sobre Libro de Artista en la que participaron los comisarios Antonio Alcaraz y Rafael Doctor y la creadora Marisa González, donde se debatió sobre el pasado, presente y futuro de este formato artístico. Así mismo,hemos podido consolidar el Premio Librarte, para los mejores stands de la Feria a través del establecimiento de una dotación económica de 1000€, que ha aumentado con respecto a ediciones anteriores. Este año se ha sumado además el Premio de Adquisición de la Colección Aldebarán, que dentro de sus políticas de mecenazgo ha enriquecido su colección con la compra de una pieza expuesta en Librarte. También se ha incorporado una visita guiada muy especial a Librarte a través de los ojos del coleccionista de arte Victorino Rosón Diez-Feijoo, director de la Colección Aldebarán, pues tenemos mucho interés en acercar la actividad del coleccionismo de arte y hacerla accesible a cualquier amante del arte.

4. Este año el público ha podido asistir a “Nucleares Varadas” una maravillosa exposición de Marisa Gonzales presentada en el escenario del patio del Monasterio de San Juan. Además has dado la posibilidad a la universidad de Valencia de enseñar públicamente su interesantísima colección de libros de artista ¿bajo qué criterios seleccionar a los artistas invitados? ¿Y qué objetivos tienes para el futuro, nos puedes adelantar alguna idea? 

Elvira: Los catorce expositores son seleccionados tras una gran deliberación, – pues las propuestas son muchas y con gran calidad- e intentamos crear una síntesis de lo mejor de la edición experimental del momento. Así pues, tratamos de cubrir todo el espectro amplísimo de la disciplina y que el visitante pueda encontrar  fotolibros, obra gráfica, libro objeto y libro de artista, edición fotográfica, ilustración, revistas experimentales, impresiones digitales, publicaciones híbridas y otros objetos de arte. ¿Los planes para el futuro? Seguir consolidando Librarte como un evento de referencia en el ámbito de la creación contemporánea y que podamos seguir poniendo de manifiesto la riqueza cultural de Castilla y León y de Burgos, en concreto.

5. ¿Siempre has sido una apasionada del libro de artista? Y tu estas creando tu propia colección, quizás a través de la feria? 

Elvira: Comencé coleccionando fotografía y así fue como me aficioné al fotolibro a la par que intervenía en los procesos de creación algunos de ellos como el de Infinito Artificial de Fernando Maselli o Marteria Oscura de Danilo de Rossi. Pero mi acercamiento al libro de artista se produjo a través de ferias como Más que Libros o Fiebre, que edición tras edición visitaba con mucho entusiasmo.  Así puede descubrí un formato muy original, versátil y accesible en cuanto a precios; por eso aposté por esta disciplina para crear una feria de arte en Burgos. Como bien has señalado, año tras año en cada edición de Librarte,  hemos ido adquiriendo diversos libros de artista, – también obra en papel., y estamos conformando la colección Librarte, que espero poder mostrar algún día en forma de exposición.

Encuentro con Paloma De La Cruz

MARTE es la única feria de arte contemporáneo de la Comunidad Valenciana. Del 16 al 19 de junio, celebrará su novena edición en Castellón, con 15 galerías nacionales y 20 artistas. 

Marte es una feria que no es sólo un espacio comercial para los actores del mundo del arte sino también un evento que desea ofrecer un acceso a una cultura de calidad a cualquier visitante. En pocas palabras, el propósito principal de la feria Marte es crear sinergias entre habitantes, artistas, galeristas y coleccionistas.

Credit : Montse Gómez de Osuna

Para esta edición, la feria ha desarrollado el proyecto Marte cerámica, comisariado por Teresa Calbo, que se enlaza con la estética tradicional de la región : la artesanía azul y dorada de Manises. Por cierto, es la única ciudad española que consiguió el año pasado entrar en la Red de Ciudades Creativas de la Unesco. Obviamente, la cerámica tiene mucho que ver !

El origen de esta estética que envuelve diariamente a la comunidad valenciana llega hasta la cerámica nazarí, el mundo hispano-árabe y la alfarería mudéjar. Basado en la investigación del comisario, sería gracias a la relación de un señor de Manises con un walí de Málaga que los alfareros nazaríes vinieron a establecerse en la región de Valencia. 

En esta sección se verá un diálogo entre técnicas artesanales antiguas y contemporáneas. 

Este concepto de arte low tech se encuentra en el trabajo de Paloma de la Cruz, artista participante de la feria. 

Paloma de la Cruz, malagueña, vive ahora en Madrid donde acaba de participar en la Feria Estampa y en la Feria Internacional ARCO 22. Su obra forma parte de importantes colecciones entre las cuales: CAC Málaga, Colección DKV o Vans. 

Art Run Agency tuvo la oportunidad de conocerla en su estudio de Madrid con el fin de profundizar la relación entre su obra y el espacio cerámico de la feria Marte.

Las estrategias plásticas de esta joven artista malagueña están marcadas por la transformación del espacio. A través de un proceso de metamorfosis, ella cambia espacios neutros en lugares habitables. En su obra, le interesa relacionar la arquitectura al cuerpo humano ya que, como ella señala, “el cuerpo lo habitamos pero la arquitectura también”. Para llevar a cabo esta transformación, ella explica que “usa técnicas tradicionales aplicadas al arte contemporáneo”. 

Para presentar su trabajo en la feria, Paloma de la Cruz ha optado por exponer una serie de tres piezas basadas en la arquitectura de la middah, la sala en la que se realizan las abluciones previas a la oración musulmana. Trabaja, para dar un ejemplo, con el hueco de las ventanas, transformándolas en carne y en un cuerpo palpitante.
Resulta en una arquitectura muy dual que parece en constante movimiento y que juega con los conceptos de público e intimidad.

Para ella, la idea de la instalación se puede describir “cómo las piezas que se van a relacionar entre una y la otra y con el espectador”.
En este sentido, la mejor manera de sumergirse en la atmósfera de su obra es ir a verla en la feria Marte ! 

Entrevista con Daniel Silvo

Galería Nueva no corresponde a un espacio convencional del arte: es una galería que alberga a otras galerías, tanto nacionales como internacionales, en tiempos limitados que oscilan entre una semana y un mes. Este Airbnb de galerías, que cambia continuamente su marca, tiene dos espacios, respectivamente en la C/Doctor Fourquet y en el barrio de Las Letras, c/San Agustín.

Art Run Agency se reunió con Daniel Silvio, director del espacio, para entender más detalladamente la dinámica y la estrategía detrás de Galería Nueva. 

¿Cómo se te ocurrió la idea de fundar esta singular galería? 

Daniel: Estuve co-dirigiendo la feria Justmad como director artístico y me gustaba este ambiente de feria. Pensé que habría podido hacer lo mismo que allí pero, con más calma.
De alguna manera las dos cosas se parecen mucho; la diferencia es que una feria termina en solo 5 días, mientras aquí una exposición puede mantenerse durante un mes.
Además, una feria ofrece 15, 20 metros cuadrados. Aquí, son 75 metros.
Y hablando de precios, las ferias pueden llegar a costar incluso 7000 euros, mientras que aquí el precio es de 2300 euros al mes. Es más barato, por más tiempo y hay más espacio. 
 

¿En qué consiste exactamente tu prestación?

Daniel: Cada mes hay una galería nueva en este sitio. Hasta el cartel en la entrada, si te has fijado, cambia con ellas. 
Pero lo que a mi me gusta también es poder ofrecer un servicio muy completo a las galerías que vienen, así que siempre les pregunto: qué necesitáis, un espacio ? Pero, ¿qué mas ? Alojamiento ? En las sedes de las letras, se puede ofrecer una habitación. Yo le doy las llaves y es su casa. Es como una residencia, pero para galerías.
A veces, por ejemplo, les ofrezco venir 2 meses antes de la exposición y encuentro a los artistas un estudio para trabajar, incluso para guardar sus obras. 
 

¿Qué tipo de galerías están interesadas en lo que ofreces?

Daniel: Galerías con sede fuera de Madrid que quieran entrar en el mercado del arte contemporáneo de la capital sin tener que hacer un importante desembolso de dinero!
Es difícil conseguir un alquiler en Madrid a un precio razonable y en una buena ubicación, sobre todo si la galería no tiene un gran presupuesto y si ya tiene alquilado un espacio en Nueva York, Málaga etc… Tener una segunda renta a largo plazo es complicado, por lo que un alquiler temporal es una alternativa barata e interesante. 
Las más numerosas son las galerías internacionales, sobre todo hay mucho interés en América latina – México, Perú, Colombia…
Hay muchos países allí que están pasando por un periodo de crisis, Argentina por ejemplo, y que quieren construir un puente con el mercado Europeo en un contexto de mejor estabilidad. 

Supongo que el funcionamiento de la galería también atrae galerías online. ¿Trabajas también con este tipo de espacios?

Daniel: ¡Justo yo ofrezco lo que no ofrece el online!
Creo que puede ser una ampliación muy interesante para ellos. Porque, pasa a menudo que las galerías online quieran participar en ferias pero sean rechazadas. Las galerías online ofrecen un modelo de negocio interesante que puede funcionar.
Pero es fundamental tener un programa curado y bien estructurado!
 

¿Cómo se hace la selección de galerías?

Daniel: Las galerías tienen que realizar una solicitud. La propuesta será examinada y valorada por un comité de profesionales del arte según una valoración debida a calidad artística, trayectoria de la galería y interés del proyecto.
 

¿Qué es lo que más te gusta de este proyecto?

Daniel: ¡El contacto con personas nuevas, internacionales y locales! Estoy feliz cuando quieren volver, y me encanta saber que les haya gustado el panorama madrileño. 
Estos frecuentes cambios de galerías crean una dinámica en el barrio, enriqueciéndolo, contribuyendo a que en Madrid pasen cosas!

Exposiciones en curso:

Hasta el 23 de junio, en el escenario de la Calle Doctor Fourquet contaremos con la presencia de la Fundación Galería Rodríguez; una galería polaca, que trae a Madrid la exposición Cultura salvaje, con obras de Dalila Gonçalves, Michal Martychowiec, Cristina Mejías y Michal Smandek.
La exposición propone distintos modos de abordar las relaciones entre lo humano y lo natural.

En el espacio Galería Nueva Las Letras, la protagonista es la Galería + GalleryLabs, que presenta la exposición Tiempos de Arena, una serie de obras realizadas por el colectivo Argentino EnFoco.
La exposición propone también una reflexión sobre nuestra relación ambigua con una naturaleza tan salvaje como vulnerable, donde el tiempo fluye a un ritmo singular que invita a la introspección. 

Encuentro con F&deO

Ubicada en el barrio de Salamanca, la galería F&deO ha sido montada recientemente con el objetivo de visibilizar la sensibilidad femenina en el mundo del arte.

El propósito de la galería F&deO es perceptible apenas se entra en el lugar. El tejido oscuro de las paredes absorbe el sonido, los cuadros descansan la vista y la acogida de la gerente, Ana Araujo, es cálida sin ser exagerada. De este espacio íntimo emerge, sin duda, una auténtica delicadeza. 

Al exponer únicamente obras de mujeres artistas, la propuesta de la galería F&deO aspira a darles voz, en un contexto en el que su visibilidad es menor que la de sus homólogos masculinos. Ana Araujo señala que la obra de las mujeres no sólo se expone menos, sino que también se vende menos. «La obra de arte más cara de un artista masculino vale 90 millones. ¿Tienes idea de lo que vale la obra de arte más cara realizada por una mujer? 9 millones, es decir, 10 veces menos. Están poco representadas, por eso sólo acogemos obras de mujeres artistas«, explica con una expresión que refleja su determinación.  

Junto al problema medible de la infrarrepresentación de las obras de mujeres en las artes, que se dirige hacia una mayor igualdad, surge una cuestión mucho más compleja: el predominio de un modo de expresión artística masculino en la elección de los temas y los formatos utilizados en la producción de obras de arte. 

“Poder trabajar con la sensibilidad que uno quiere es un lujo”

La directora de la galería F&deO da poca importancia a las cifras, pues, en su opinión, aunque se consiga la llamada igualdad dentro de treinta años, si la mitad de las obras expuestas son de mujeres pero no desprenden ninguna sensibilidad femenina, no tiene sentido. 

De hecho, hay muchas mujeres artistas cuyo lenguaje es masculino, ¡y viceversa! Además, como señala Ana Araujo, «se puede organizar una exposición sobre lo femenino y mostrar sólo obras de hombres«.

Esto se debe, entre otros factores, a un proceso de aprendizaje estandarizado. «Tuve alumnos con ideas muy delicadas en el primer año y en el tercero estaban todos masculinizados. La cultura del espectáculo vende más«. Esta autocensura es a menudo consciente y se basa en cuestiones económicas. «Si algunos quieren trabajar con otra sensibilidad, necesitan dinero para adaptarse«, explica la directora de la galería. Según Ana Araujo, poder trabajar con la sensibilidad que uno quiere es un lujo.

Esta connotación femenina, según Ana Araujo, ha sido empleada en la historia para calificar comportamientos considerados inferiores. Simboliza la candidez, la vulnerabilidad, pero también lo sensual y lo placentero. “El problema«, señala, «es que todo lo que ha heredado una etiqueta no masculina se devalúa. La práctica del bordado, por ejemplo, un arte con una connotación más femenina, sigue estando devaluada en comparación con la pintura. Lo que quiero es recuperar la importancia de esta sensibilidad femenina que consiste en un planteamiento más sostenible y contemplativo que no pretende ser espectacular.«

Tenemos un amplio espectro de sensibilidad […] pero no utilizamos todo nuestro potencial

Según Ana Araujo, vivimos en un mundo en el que tenemos un amplio espectro de sensibilidad, desde la más delicada hasta la más agresiva. Excepto, dice, que no utilizamos todo nuestro potencial. “La sociedad pone límites invisibles«, suspira. “No podemos expresarnos plenamente, tenemos que aprender a abrir el espectro porque no sólo afecta al mundo del arte«.

Ana Araujo continúa su explicación con entusiasmo, aclarando la profunda ambición de la galería. «Nuestros gustos, nuestros juicios y nuestra sensibilidad están amordazados. Nos movemos en un mundo con un espectro estrecho, especialmente en el lado femenino. Es hora de ampliarla, esa es la auténtica vocación de la galería y así lograremos la plena igualdad«, afirma.

Ampliar nuestra forma de sentir, crear y razonar

Si la galería quiere dar a las mujeres artistas la oportunidad de presentar su obra, su objetivo es sobre todo cuestionar los paradigmas establecidos desde hace siglos para ampliar nuestra forma de sentir, crear y razonar.

Ana Araujo lleva más de 20 años investigando lo femenino, hoy día a través de su galería pero ha luchado también como profesora de diseño, arquitecta y como autora.

Para crear este deseo de actuar y sentirse con una sensibilidad femenina, Ana Araujo no confía en una fórmula mágica. «El cambio será difuso y no vendrá de las élites», dice. Para influir en las mentalidades, da vida a su galería mediante exposiciones y conferencias y desea también exponer en espacios públicos como hospitales, restaurantes, bancos y hoteles. 

Como dice Ana Araujo, «el arte no es subjetivo, el arte es preciso«. Por lo tanto, es esencial definir con mayor precisión los conceptos comentados en este artículo. Para identificar y resolver un problema, primero hay que nombrarlo. Tal vez sea conveniente utilizar otros términos que los que se usan actualmente y que provienen de una historia dominada por el patriarcado. Esta visión binaria que distingue las sensibilidades femeninas y masculinas parece obsoleta y al utilizar estos términos, se corre el riesgo de perpetuar los prejuicios de género. Así que, ¿No podríamos utilizar otros términos sin arriesgarnos a la amalgama? 

¿Hablando de la sensibilidad espectacular frente a la contemplativa, por ejemplo?Una mejor conceptualización del problema facilita la concienciación colectiva porque «la gente no puede querer algo que no conoce«, concluye la responsable de la galería F&deO.

Artículo escrito por Marion